Zum Abschluss des Kultursommers Südhessen trafen sich am Wochenende wieder zahlreiche Kunstliebhaber in der Illertstraße bei Kurt Adam Arnold. Im bereits in herbstliche Töne gefärbten Garten und in den Atelierräumen konnte das interessierte Publikum die Arbeiten des Künstlers betrachten. Inmitten von Farbdosen und anderen Utensilien waren Bilder und Skulpturen ausgestellt. Drumherum gestaltete Ehefrau und Organisatorin Christiane Arnold einen stimmungsvollen musikalischen und kulinarischen Salon. Es war wohl die bedeutendste Kulturveranstaltung in diesem Jahr in Viernheim. Das meinten jedenfalls die Gäste, die aus der ganzen Region angereist waren um dieses künstlerisch, wie auch gesellschaftlich bedeutende Ereignis in angenehmer Atmosphäre mitzuerleben.

Kurt Adam Arnold nahm in diesem Jahr zum zweiten mal am Kultursommer Südhessen teil. Der „KUSS“, wie der Kultursommer Südhessen kurz genannt wird, ist eine Veranstaltung der fünf Landkreise Bergstraße, Darmstadt Dieburg, Groß-Gerau, Offenbach, Odenwaldkreis mit der Wissenschaftsstadt Darmstadt, der kulturelle Veranstaltungen in der Region fördert. Von Juni bis September wurden künstlerische Akzente von Literatur, Theater, Musik, Chorgesang oder „Kleinkunst auf dem Land“ gesetzt. Zudem gab es spezielle Veranstaltungen für Kinder und Jugendliche. Ein besonderer Höhepunkt sind jährlich die „Tage des offenen Ateliers“, an der am verfangenen Wochenende vierundneunzig Künstlerinnen, beziehungsweise Künstlergruppen mit über zweihundert Kulturschaffenden teilnahmen.

Dabei haben die Kunstinteressierten die seltene Gelegenheit, vor Ort ausgestellte Werke zu betrachten, dem Künstler beim Arbeiten über die Schulter zu schauen oder in angenehmer Atmosphäre Fragen zu stellen. Das taten die Gäste bei Kurt Adam Arnold auch. Mancher fragte ihm geradezu „ein Loch in den Bauch“. Wie, warum, wieso, aus was sind die Gemälde, Zeichnungen, Skulpturen, Plastiken? Der Meister gab unermüdlich Auskunft, erklärte Techniken, den Unterschied zwischen Öl- und Acrylmalerei, welches Holz er für die Skulpturen verwendet oder wie es kommt, dass einige Plastiken so schwarz sind. „Da ist Feuer und Hitze im Spiel“, so Arnold, „das lässt die Maserung des Holzes besonders schön hervortreten und macht es auch noch haltbar“.

Wer von Kurt Adam Arnolds Bildern Mimesis erwartet, Nachahmung also, naturgetreue Wiedergabe der Wirklichkeit, einer Landschaft etwa oder eines Antlitzes, wird von den Bildern Kurt Adam Arnolds enttäuscht sein. Wer jedoch von Bildern ganz anderes erwartet: den fremden und verfremdenden Blick auf noch nicht Gesehenes, noch nicht Wahrgenommenes, auf Überraschendes und Überwältigendes, der wird auf seine Kosten kommen.

Ein Künstler wie Kurt Adam Arnold, dem die Wirklichkeit frag-würdig geworden ist, kann diese auch nicht mehr frag-los ins Bild setzen, sondern muss eine eigene Wirklichkeit schaffen, eine neue ästhetische Bild-Wirklichkeit konstruieren, die eigenen Gesetzen gehorcht. So steht zwar, thematisch gesehen, der Mensch, häufig auf einen gesichtslosen Torso reduziert, im Mittelpunkt und insofern könnte man von „abstrahierender“ figurativer Malerei sprechen, aber zumindest gleich-wertig, wenn nicht höher-wertig als das Sujet, also dem Thema einer künstlerischen Gestaltung, ist die Formensprache zu veranschlagen, das, was Adorno „ästhetischen Mehrwert“ nennt und das sich in Arnolds Malerei zeigt.

Jeder einzelne Mensch kann in einer künstlerischen Arbeit etwas anderes entdecken und das ist auch erlaubt. Dieser Text möchte ein Angebot machen, was man in Kurt Adam Arnolds Ausstellung „Der Mensch und was ihn bewegt“ entdecken kann. Er soll verschiedene Sichtweisen und Zugänge eröffnen, aber gewiss findet jeder Einzelne in diesen Arbeiten weitere, hier nicht thematisierte Aspekte und gerade das ist das Faszinierende an Arnolds Kunst.

Die Skulpturen in „Der Mensch und was ihn bewegt“ entstehen aus dem organischen Material Holz. Arnold verarbeitet auch Hölzer, die üblicherweise eher nicht für Skulpturen verwendet werden. Sein Augenmerk liegt auf den Maserungen, Rissen und Strukturen des Holzes.

Die Arbeit „Innere Sicherheit“ zeigt ein Boot bei dem das Material Holz von Stahlstreben durchdrungen wurde. „Sicherheit“ in einem Boot, das uns trägt auf wilder See trägt, das uns vor dem Ertrinken rettet und das uns den Kopf über Wasser halten lässt. Damit unser Boot jedem Sturm trotzt, damit es nicht zerbricht und uns weiterhin schützt, ist es zusätzlich von Stahlstäben durchzogen. Durch unser Sicherheitsbedürfnis wird es in diesem Boot aber auch ungemütlicher. Es wird schwieriger eine bequeme Position zu finden. Das Boot als solches wird schwerer und somit auch schwieriger zu navigieren. Die zusätzlichen Sicherheitsverstrebungen fügen unserem Boot sogar Löcher zu, die es undicht machen und letztlich zum Absinken unserer „inneren Sicherheit“ führen könnten. Was auf einen ersten Blick wie ein alltäglicher Gegenstand erscheint, symbolisiert auf metaphorischer Ebene unsere menschlichen Emotionen und Ängste.

Doch Arnold präsentiert in „Der Mensch und was ihn bewegt“ auch figürliche Skulpturen.

Diese haben zumeist eine sehr dunkle Oberfläche. Nachdem Arnold die Formen mit einer Kettensäge herausgearbeitet hat, werden diese Skulpturen abgebrannt. Durch das Abbrennen wird das Holz schwarz und glatt. Je nach Holzart ändert sich die Oberflächenstruktur bzw. wird herausgearbeitet, damit sie auf uns als Betrachter wirken kann. Zu diesen Skulpturen gehört auch die Arbeit mit dem Titel „Alte Kameraden – ein Kriegerdenkmal“.

Wir sehen drei grobe, große Köpfe nebeneinander. Arnolds Kriegerköpfe sind innen hohl. Sie sind sinnentleert. Ohne eigene Gedanken. Ihre Gesichter sind zerfurcht. Durch den wilden Wuchs des Baumes, dem Arnold bewusst Wirkungsraum zukommen lässt, wirkt der mittlere Krieger wie ein Zyklop. Ein Zyklop, dem eine mehrdimensionale Perspektive fehlt, der nur allein aus seinem beschränkten Standpunkt heraus einen Blick auf die Welt hat. Dies in einer Zeit, in der wir uns zunehmend unsicherer fühlen, in der wir befürchten, der Krieg könnte bald auch unseren Vorgarten erreicht haben. In einer Zeit, in der wir uns manchmal fragen müssen, wer eigentlich Passant bleibt und wer ein Krieger geworden sein könnte, da diese nicht mehr ‒ wie es früher einmal war ‒ anhand von Uniformen zu unterscheiden wären. Arnolds Kriegerdenkmal wird dadurch zu einem Kriegermahnmal ‒ vielleicht sogar zu einem Kriegerwarnmahl. Arnold transformiert das alte Holz zu einer Momentaufnahme: Der Zeitzeuge Baum wird zu einem Zeitzeugen menschlicher, gar gesellschaftlicher Emotionen und Zustände 2016.

Neben Skulpturen präsentiert Arnold in „Der Mensch und was ihn bewegt“ auch seine Malerei.

Exemplarisch soll das Gemälde mit dem Titel „Fünf auf einem Gemälde“ herausgegriffen werden. Obwohl es der etablierten Analysemethode eines Kunsthistorikers widerspricht – Arnolds Bilder es uns jedoch nahelegen – soll mit der Analyse des Bildhintergrundes begonnen werden:

Wir sehen verschiedenste ineinander übergehende und ineinander übergreifende Farben aus vorwiegend blauen und gelben Flächen. Während der Hintergrund an vielen Stellen pastos und erhaben erscheint, blitzt gleichzeitig an anderen Stellen noch die weiße Leinwand hervor.

Um die Oberflächenstruktur der Leinwände gebührend herauszuarbeiten, arbeitet Arnold teilweise sogar Zeitungen in seine Gemälde mit ein. So entstehen durch die Bearbeitung mit Pinsel und Spachtel erhabene Strukturen, die manchmal nahezu wie topografische Karten einer uns unbekannten Landschaft wirken. Der Betrachter möchte sie anfassen, berühren und erspüren. Es scheint nicht mehr auszureichen, diese Bilder allein mit den Augen zu erfassen.

Allein Arnolds Bildhintergründe sind derart komplex konzipiert, dass man sie ohne einen Einwand als gekonnte abstrakte Malerei anerkennen würde. Selten haben Bildhintergründe in der Kunstgeschichte einen derart hohen Anteil an der Bildwirkung. Trotzdem schenkt uns Arnold einen Bildvordergrund. Auf diesem begegnen wir zumeist stilisierten, menschlichen Figuren. Auf „Fünf auf einem Gemälde“ sind drei Figuren in der linken, zwei Figuren in der rechten Bildhälfte zu sehen. Sie sind zusammen „auf einem Gemälde“ und doch deutlich voneinander getrennt. Der leere Raum in der Bildmitte scheint wie eine unüberwindbare Barriere. Diese Trennung wird durch schwarze, eingefügte Linien besonders im oberen Bilddrittel unterstützt. Arnolds Figuren erscheinen abstrahiert, manchmal sogar deformiert. Sie entstehen durch dunkle Konturlinien, die immer wieder korrigiert und übermalt werden. Diese Konturlinien haben einen groben, bewegten Duktus. Der expressive Duktus und die Farbgebung lassen an mehreren Stellen Assoziationen an die Expressionisten, besonders an die Brückemaler Konturlinien, die Position der Figur und sogar das Motiv als solches könnten mitunter als Hommage an Otto Müllers „Badende“ an den Moritzburger Teichen aufgefasst werden. Mit einer vergleichenden Bildbetrachtung wird man Arnolds Arbeiten jedoch nicht annähernd gerecht, denn Arnolds Figuren erscheinen geradezu auf den Bildern, so als wären sie einen Augenblick zuvor noch nicht sichtbar gewesen.

Wären wir in der Zauberwelt eines Harry Potters, würde man Arnolds Gestalten ein plötzliches „Apparieren“ unterstellen.

Das „Apparieren“ ist ein Zauber, bei dem man sich von einem Ort an einen anderen teleportiert, wodurch die Figuren unvermittelt im Raum erscheinen. Arnolds Figuren fügen sich in das Bildganze ein und heben sich doch davon ab. Sie scheinen uns mitunter vorwurfsvoll anzustarren, manchmal beinahe, als würden sie bei uns ‒ den Betrachtern ‒ nach Rat suchen, wie es ihnen gelingen könnte, Konflikte und Spannungen innerhalb des Bildraums aufzulösen. Auch in Arnolds anderen Arbeiten erspüren wir Harmonien, Balancen, Konflikte, Spannungen und das, obwohl all diese Figuren gesichtslos bleiben. Denn ohne Augen können sie uns eigentlich nicht anstarren. Doch gerade dadurch werden sie für uns zu Identifikationsfiguren. Es ist verblüffend: Gerade durch Arnolds Verzicht auf individualisierte Gesichter identifizieren wir uns und andere mit diesen Figuren, weil wir etwas von uns selbst hineinlegen, weil wir dank Arnolds Methode gar nicht anders können, als etwas von uns in die Bilder mit hineinzubringen.

Arnolds Bilder wirken an vielen Stellen wie ein Déjà-Vu: Wie verblasste Erinnerungen, wie Traumgestalten, wie eine Traumszene, wie eben solche Träume, bei denen nur noch eine diffuse Emotion übrig bleibt, wir uns aber nicht mehr an die Traumhandlung erinnern können. Unser Unterbewusstes, unsere Erinnerungen werden angesprochen. Man meint, man hat die Konstellation schon mal erlebt, man fühlt sich erinnert, dabei begegnet man etwas gänzlich Neuem – einem Gemälde von Kurt Adam Arnold. Bei diesen Gemälden reicht es nicht aus, sie mit den Augen zu betrachten, es würde auch nicht ausreichen sie anzufassen, als Mensch muss man sie auch mit der Seele sehen. Der Betrachter wird unweigerlich zu einem Teil des Bildes, da das Potential des Gemäldes erst durch das Hineininterpretieren des Betrachters in vollem Umfang aktiviert wird.

Kommen wir nun zur Synthese bzw. zu der Synergie, die aus Bildvordergrund und Bildhintergrund entsteht. Bis Arnolds Gemälde ihren Endzustand erreichen, vergeht ein langer, mitunter mühsamer Prozess. Arnold malt hin, nimmt wieder weg. Er übermalt. Er korrigiert. Er lässt die Bilder ruhen, bis er wiederum neue Strukturen entstehen lässt. Durch die Technik des Überarbeitens, des Korrigierens und des Überholens, durch das Schichten und Verschränken des Bildvorder- und Hintergrunds, wird die vergangene Zeit in den Bildern dargestellt. Die Sichtbarkeit und Spürbarkeit des Faktors Zeit im Bild ist hier erwünscht. Dadurch werden Arnolds Bilder praktisch zu Palimpsesten. Dieser Begriff leitet sich vom lateinischen Ausdruck „palimpsestos“ ab und bedeutet soviel wie „reiben, (ab)schaben, wieder abkratzen“. Es handelt sich um eine Technik, die bereits in der Antike und insbesondere im Mittelalter verwendet wurde, um dem damaligen Papier bzw. Papyrusmangel entgegen zu wirken. Eine bereits beschriebene Manuskriptseite sollte erneut verwendet werden, dazu wurde sie, durch Abschaben oder Waschen gereinigt, um im Anschluss mit neuem Text beschrieben zu werden. Es handelt sich letztlich um eine frühe Methode des Papierrecyclings. Charakteristisch für Palimpseste ist, dass ältere Schichten und Schriften weiterhin durchscheinen. Der Untergrund hat folglich und sichtbar eine Geschichte. Das Prinzip der Palimpseste hat sich in der Kulturgeschichte zu einer Metapher entwickelt. Diese Metapher kann zur Interpretation von Arnolds Arbeiten herangezogen werden: Wie bei einem Palimpsest sehen wir auf der Oberfläche von Arnolds Bildern ältere Schichten, verschiedene Werkstufen und vergangene Zeiten hindurch.

Dadurch vollbringt Arnold etwas eigentlich Unmögliches: Auf einer grundsätzlich zweidimensionalen Malerei sind zwei bis maximal drei Dimensionen darstellbar. Selbiges gilt für Skulpturen. Durch seine speziellen Techniken arbeitet Arnold jedoch die vierte Dimension in seine Kunstwerke mit ein. Diese wird nach Einstein als Zeit bzw. Raumzeit bezeichnet. Uns als Betrachter wird es ermöglicht, auf diesen Bildern die Ebene einer vierten Dimension abzulesen. Diesen Gedanken kann man ebenso auf Arnolds Skulpturen ausdehnen: Aus dem alten Holz, das jahrelang als Baum gelebt hat, wird etwas Neues geschaffen, und zwar eine Momentaufnahme menschlicher Emotionen 2016.

Kurt Arnold hat für diese Ausstellung den Titel „Der Mensch und was ihn bewegt“ gewählt. Dieser Titel könnte Bezug nehmen auf seine „Stadtansichten“, die unsere tatsächlich oftmals be- und verhinderte Mobilität dokumentieren. Des Weiteren könnte mit diesem Titel die Frage angeregt werden, was uns als Menschen bewegt bzw. was uns emotional berührt, wie wir mit den stetigen zwischenmenschlichen Spannungen und Konflikten, aber auch Harmonien und Sehnsüchten umgehen. Dieser Titel könnte auf einer abstrakteren Ebene jedoch auch auf den in Arnolds Arbeiten wiederkehrenden Faktor Zeit hinweisen: Die Zeit bewegt uns nämlich, ob wir wollen oder nicht, durch das Leben. Ob wir wollen oder nicht, die Zeit wird uns verändern.

Die Kunst, vor allem die Bildende, begleitet mich durch mein ganzes bisheriges Dasein. Im Alter von 11 Jahren schrieben mich meine Eltern, auf Empfehlung meines Kunstlehrers, zum Studiengang Zeichnen und Malen an der Fernakademie Linke in Karlsruhe ein. Nach sechs Semestern wurden andere Dinge in meinem noch jungen Leben wichtig. Die Malerei musste zurückstehen und ich entschied mich für eine Ausbildung in einem technischen Beruf. Aus den Augen habe ich die Kunst aber nie verloren. Der Weg zum Künstler ward steiniger, aber auch bestimmter. Der Besuch von Ausstellungen, im Besonderen für Zeitgenössische Kunst und Kunst der Moderne, hat mir den Weg in die Malerei geebnet. Ich habe viel zum Thema Kunst gelesen und andere Künstler studiert.